Javier Blánquez - Loops 1

Prólogo de Simon Reynolds

Javier Blánquez (Barcelona, 1975) se dedica desde hace dos décadas al periodismo cultural, y en los últimos años también a la edición y la docencia. Actualmente imparte clases de historia de la música moderna en la escuela Eumes de Gerona y es colaborador del diario El Mundo, donde escribe artículos, entrevistas y críticas de espectáculos —desde ópera hasta conciertos pop—, actividades que también desempeña en publicaciones como Time Out Barcelona, Primera Línea, Beatburguer, Rockdelux y allí donde se le reclame, siempre que haya tiempo. Ha coordinado dos libros colectivos para Reservoir Books: Loops. Una historia de la música electrónica (2002 y 2018), junto a Omar León, y Teen Spirit. De viaje por el pop independiente (2004), junto a Juan Manuel Freire. Su interés por la música clásica, simultáneo a su afición por la música electrónica, le llevó a escribir un breve ensayo para Capitán Swing en 2014, Una invasión silenciosa. Cómo los autodidactas del pop han conquistado el espacio de la música clásica.críticas de espectáculos —desde ópera

Mapa
de estilos

Este mapa debería servir de brújula si en algún momento te pierdes al situar corrientes y estilos en el tiempo. De izquierda a derecha, el orden es cronológico, desde 1900 a 2000. De arriba abajo, el criterio es estilístico, una transición de la música de raíz más blanca / experimental a la más negra / rítmica.

1910 - 1970

Impresionismo La primera vanguardia paralela al ocaso del romanticismo se produjo en Francia, y buscaba la transformación del sonido en una sustancia poética: texturas fugaces y transparentes, un antecedente del ambient que aspiraba a crear una impresión emocional.

Erik Satie

Futurismo Los futuristas italianos imaginaron una música hecha por máquinas, reflejo de los chirridos y el caos de las nuevas ciudades industriales. Glorificaban la velocidad, el progreso y la guerra, y la belleza del sonido estaba depositada en su naturaleza ruidosa.

Luigi Russolo

Filippo Tommaso Marinetti

Luthiers e inventores La prehistoria de la música electrónica es la de una larga (y a veces disparatada) lista de instrumentos curiosos, algunos avanzados a su tiempo —el theremín o las ondas Martenot, por ejemplo—, con los que se obtuvieron los primeros sonidos sintéticos.

Thaddeus Cahill

Léon Theremin

Música concreta La primera música cuya naturaleza es la de estar fijada sobre un soporte grabado, pues consiste en usar cualquier fuente acústica —humana, orgánica o ruidosa— como objeto sonoro dispuesto en una cinta magnética.

Pierre Schaeffer

Pierre Henry

Elektronische Musik Por primera vez, la naturaleza del sonido es absolutamente sintética: aquí, la música no se crea de manera orgánica (es decir, con instrumentos acústicos), sino que se genera mediante un proceso electromagnético.

Karlheinz Stockhausen

Inventores del sintetizador El sintetizador es el principal instrumento encargado de generar timbres electrónicos. Su invención se debe a Don Buchla —él fue el padre del sintetizador modular— y a Robert Moog, que tuvo el acierto visionario de equipar la nueva máquina con un teclado.

Don Buchla

Robert Moog

Minimalismo americano Una de las corrientes de vanguardia más populares, gracias a su recuperación del sistema armónico tonal y a estar basada en dos principios estéticos que han influido en el techno y otros géneros de baile: la repetición y variación de estructuras sonoras a partir de los mínimos elementos posibles.

Terry Riley

Steve Reich

Reggae / Ska La música jamaicana era, en su origen, una adaptación peculiar de los sonidos negros del sur de Estados Unidos: rhythm’n’blues y soul. Más tarde mutó en una pulsación rítmica envolvente con bajos retumbantes cuando los poderosos sound systems de Kingston pasaron a ser su vehículo de difusión.

Desmond Dekker

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Jazz electrónico A principios de los setenta, el jazz de vanguardia exploró los timbres de la síntesis electrónica y así alimentó subgéneros aventureros como el free jazz, el jazz cósmico y la fusión con el funk. El espacio exterior resultaba atractivo de repente, lo que alumbró el concepto de afrofuturismo.

Sun Ra

Herbie Hancock

Ambient Sonidos que ocupan el espacio y envuelven al oyente, música estática que parece que no está, pero que se siente y que afecta al entorno. Brian Eno la inventó con la idea de que fuera el equivalente acústico a un cuadro o a una bella decoración.

Brian Eno

New age No es exactamente como el ambient: el ambient desea envolver, mientras que la música new age quiere afectar también en aspectos íntimos de la vida: ayudar en momentos de relax, para conciliar el sueño o acompañar sesiones de meditación.

Iasos

Laraaji

Prog-rock El rock descubrió los sintetizadores a finales de los sesenta, en plena etapa de su expansión social y estética. La rama progresiva, que buscaba un enfoque más ambicioso, se apoyó ocasionalmente en la nueva tecnología para investigar timbres inauditos y ayudar a crear un sonido más complejo.

Soft Machine

Rock sinfónico El rock sinfónico quería ir más allá de la corriente progresiva y aspiró a la máxima dificultad en la articulación del discurso del rock —muchas veces inspirándose en la música clásica y su sofisticación—. En este contexto, el sintetizador se usó para demostrar un estéril virtuosismo instrumental.

Emerson, Lake & Palmer

Pink Floyd

Krautrock La rama progresiva del rock en Alemania, más influida por las vanguardias contemporáneas europeas y la primera música electrónica que por el rock norteamericano. Fue la primera música popular que supo integrar la tecnología con resultados visionarios.